Le Neuvième Art se distingue par l’éventail infini de ses expressions graphiques, bien au-delà de la seule diversité de ses récits. Pour décrypter cet univers, il est essentiel de comprendre les styles de BD qui le façonnent. Chaque école, qu’elle soit européenne (grand format) ou japonaise (sagas en noir et blanc), possède ses codes, ses techniques et ses ambitions. Ce tour d’horizon propose d’explorer en détail ces grandes familles stylistiques qui dominent le marché mondial de la BD.
Le style franco-belge : l’héritage de la ligne claire
L’école franco-belge est le berceau historique de la bande dessinée européenne, et elle se distingue par un sens aigu du détail, une narration structurée et, surtout, des traditions graphiques bien ancrées.
La ligne claire : la signature emblématique
Le courant le plus iconique de cette école est sans conteste la ligne claire, popularisée par Hergé (Tintin). Cette approche repose sur des principes graphiques stricts :
- Le dessin au trait est d’épaisseur uniforme, sans hachures ni variations d’encre pour simuler les ombres, où le contour prime sur la masse.
- La couleur est posée en aplat, c’est-à-dire sans dégradé ni ombrage réaliste. Les teintes sont souvent vives et joyeuses, créant une ambiance lumineuse et immédiatement lisible.
- Le réalisme du décor est dessiné avec une précision quasi documentaire.
Même si les personnages peuvent être caricaturaux, la crédibilité de l’environnement garantit une immersion totale. La mise en page est caractérisée par sa régularité (cases rectangulaires, trois ou quatre bandes par planche), ce qui assure un rythme de lecture calme et maîtrisé. L’objectif fondamental de la ligne claire est la clarté narrative, où rien ne doit gêner la compréhension de l’action.
Les variantes : de l’école de Marcinelle au réalisme
Face à la rigueur de la ligne claire, des tendances plus dynamiques ont émergé, comme l’école de Marcinelle (issue du Journal de Spirou), portée par des auteurs tels que Franquin. Cette école privilégie le dynamisme par un encrage nerveux, des traits de vitesse et des déformations expressives au service du mouvement et de l’humour, héritant de la tradition du « Gros Nez » axée sur la caricature, rompant avec le réalisme froid d’Hergé.
Plus récemment, la BD franco-belge a évolué vers le réalisme graphique (Sfar, Blutch), notamment dans les genres historiques et adultes. Ces œuvres se distinguent par une couleur nuancée, des ombres travaillées et un découpage audacieux, renforçant l’atmosphère et la psychologie des personnages. Le format traditionnel de l’album cartonné de 46 pages reste cependant une constante culturelle forte.
Le style manga : la puissance du noir et blanc
Le manga, la bande dessinée japonaise, est un phénomène éditorial mondial dont l’identité graphique se définit par un ensemble de conventions graphiques et narratives très spécifiques, adaptées à un rythme de production intense et à un marché colossal.
Une esthétique de l’énergie et de l’émotion
Le manga met l’accent sur l’énergie et le mouvement, au détriment parfois du détail réaliste des décors. La force de son esthétique repose sur :
- Le noir et blanc : la couleur dominante permet une production rapide (un mangaka dessine souvent plus de 20 pages par semaine) et confère un aspect brut et saisissant à l’image, le contraste étant une force expressive majeure.
- Les trames : elles sont utilisées pour remplacer la couleur ou les nuances de gris, créant des textures, des ombres ou des ambiances.
- Les lignes cinétiques : ces « speed lines » ou lignes d’effets sont essentielles pour souligner un coup, une surprise, ou la rapidité d’un mouvement, donnant une impression d’action immédiate.
Le découpage et la narration inversée
Contrairement à la BD occidentale, le manga se lit traditionnellement de droite à gauche et de haut en bas, une direction de lecture qui impacte directement la composition des planches.
Le découpage et la narration du manga se caractérisent par :
- Un rythme dynamique et un découpage éclaté : les cases sont souvent très dynamiques, s’entrecoupent, se chevauchent ou s’étirent, ce qui permet de multiplier les points de vue et de varier le rythme narratif.
- Une expression faciale hyper-expressive : les yeux sont un point focal crucial, utilisés pour transmettre les émotions de manière très amplifiée.
- L’usage du procédé chibi : cette représentation enfantine ou simplifiée est souvent employée pour l’humour ou l’exagération émotionnelle.
- La priorité à la fluidité : alors que le dessin peut varier du plus simple au plus sophistiqué selon les genres, la fluidité du récit et le rythme sont toujours les objectifs primordiaux.
Le style comics de super-héros : l’art du spectacle américain
Le comics, terme générique pour la bande dessinée américaine, est indissociable de la figure du super-héros et des éditeurs phares comme Marvel et DC. La conception graphique des comics est conçue pour l’impact visuel et l’action intense.
L’hyper-réalisme du muscle et de l’action
L’esthétique moderne du comics est caractérisée par un souci de l’impact visuel et de l’action, se manifestant par :
- Anatomie musclée : les personnages présentent une hyper-masculinité ou un dynamisme féminin, avec une attention extrême aux poses héroïques.
- Encrage dramatique : l’encrage est lourd, contrasté et très détaillé, sculptant les formes et accentuant l’éclairage (chiaroscuro).
- Splash Pages : l’usage fréquent de planches entières pour des images spectaculaires (combats, explosions) maximise l’effet dramatique et le sentiment de puissance.
Le format et la production
Les comics sont publiés en fascicules mensuels (20 à 22 pages), imposant un rythme narratif rapide centré sur un événement majeur par numéro. Contrairement au modèle franco-belge, la production repose sur un système d’équipe (scénariste, dessinateur, encreur, coloriste). Le coloriste joue un rôle crucial, utilisant une couleur numérique, saturée et très travaillée pour ajouter du volume et de la texture aux scènes d’action.
Le média webtoon : l’ère du défilement vertical
Le webtoon est le nouveau venu, une forme de narration illustrée qui a explosé grâce à l’optimisation pour la lecture sur smartphone. Né en Corée du Sud, il s’est affranchi des contraintes de la page imprimée.
L’ergonomie du scroll
La caractéristique essentielle du webtoon est son format long et vertical, conçu pour le défilement scrolling sur smartphone. Cette lecture verticale change le rythme narratif, le rendant plus lent et immersif. L’espace blanc est utilisé comme outil narratif (marquant le temps ou la surprise), et les cases s’enchaînent de manière fluide avec des transitions progressives.
Une esthétique lumineuse et efficace
Inspiré du manga, le webtoon est optimisé pour le numérique. Son esthétique privilégie la couleur numérique omniprésente (vive et lumineuse) et une clarté graphique efficace pour la production hebdomadaire. Sans contrainte de page, il autorise des compositions audacieuses exploitant le défilement vertical, comme des personnages « tombant » ou de longs panoramiques.
Le style comic strip : la concision et la chute
Le « comic strip », souvent appelé « bande quotidienne » ou « bande de presse », est le style de BD le plus ancien de l’ère moderne, né dans les journaux américains de la fin du XIXe siècle.
Le format contraint du journal
Ce genre se définit par sa brièveté et sa régularité, se limitant souvent à une ligne de trois ou quatre cases. Cette contrainte impose une concision extrême à l’auteur, dont l’objectif principal est d’amener une chute comique (punchline). La narration repose sur les interactions de personnages récurrents dans une situation quotidienne (gag strip), privilégiant une simplicité graphique (ex. : Snoopy) pour une lecture rapide. Bien qu’il existe les continuity strips (histoires à suivre), le modèle le plus influent demeure la bande humoristique quotidienne, prouvant que l’art de la BD privilégie parfois l’efficacité du trait et du dialogue à la grande fresque.
La bande dessinée pour vous
Chaque style de BD, de la ligne claire au webtoon, reflète sa culture et son époque et exige des compétences techniques et narratives uniques. Pour créer vos propres œuvres, l’étape essentielle est l’apprentissage des bases (dessin, encrage, narration) proposées dans notre formation bande dessinée. L’étude de ces grands courants graphiques est indispensable pour affûter votre regard.